1915
Nace Juan Pereira López Jr. "Johnny López" en Mayagüez, Puerto Rico. Cantante. A temprana edad es llevado por su familia a Nueva York, debuta a sus 23 años de edad en el Cuarteto Caney de Fernando Storch interpretando temas como "Abran la jaula", "Incertidumbre", "Trabalengua" y "Pancho va a la guerra" además compartiendo escenario con Doroteo Santiago y el gran Francisco Gutiérrez Grillo "Machito". Luego pasa a la orquesta de Juanito Sanabria y así mismo a la de Armando Castro la cuál amenizaba el Jack's Club en Santurce donde populariza la pieza "Cu tu gu ru"; posteriormente llega a Cuba donde es contratado por la RHC Cadena Azul, luego forma las filas de la orquesta de Xavier Cugat donde logra ganarse el público venezolano en las giras del catalán, allí mismo fue incluído en la institución de Billo Frómeta Pereira donde deja interpretaciones como "Juanita Morel", "Peregrina sin amor", "Soñando", "Granada" y el "Mambo de mi prieta".
En 1957 se da un gran suceso cuando graba con la Sonora Matancera dejando registros como el bolero "Luces de Nueva York" y el calipso "Linstead Market" el día 22 de Febrero. López también actuó junto a la orquesta de Tito Puente en Nueva York, y allí fallece con apeñas 47 años de edad.
1921
Nace Mario Molina Montes en Alvarado, Veracruz, México. Recordado compositor mexicano, hijo de Juan José Molina y Margarita Montes. Comienza a trabajar en la adolescencia, desempeñándose primero como novillero y, posteriormente, como redactor en una revista de espectáculos en donde escribía de radio y cine —en la Época de Oro—, actividad por la cual pasaba bastante tiempo en la XEW, una de las radiodifusoras más importantes de América Latina. Frecuentando los pasillos de la XEW y las cafeterías aledañas conoce a compositores que más tarde se convertirían en pilares de la canción mexicana tales como Luis Arcaraz, Gonzalo Curiel, Agustín Lara, Gabriel Ruiz y muchos otros que se mantienen vigentes en la memoria popular.
A pesar de que desde temprana edad mostró inspiración poética, fue la influencia de estas amistades lo que lo motivó a iniciar su carrera como autor. Su primer éxito en el medio musical fue "Quinto patio", compuesto en coautoría con Luis Arcaraz y tema de una película del mismo nombre (1950) que rompió récord de taquilla, y que fue Disco de Oro (1951) por el semanario Selecciones Musicales en la Categoría Canción. Debutó en el Festival OTI de la Canción, en la quinta edición, con su tema "De mí para ti y de ti para mí", escrito en coautoría con Eduardo Magallanes e interpretado por María Medina, obteniendo la segunda posición en la Categoría Nacional. Posteriormente, en el mismo certamen es galardonado con el primer lugar por sus canciones "De que te quiero, te quiero", coautoría con Rubén Fuentes y Eduardo Magallanes, popularizada por Gilberto Valenzuela, y "Con y por amor", escrita en colaboración con Chamín Correa, en la voz de Enrique Guzmán. En su repertorio se encuentran además temas como "Viajera" —que alcanzó gran éxito en La Habana, Cuba—, "De hoy en adelante", "Sombra verde", "Muñequita de esquire" y "El dinero no es la vida", todas ellas con música de Luis Arcaraz. Asimismo destacan "Qué bonita es mi tierra" y "El muñeco de cuerda", en coautoría con Rubén Fuentes; "Mira cuántas cosas" y "¿De dónde vienes?", escritas en colaboración con Gonzalo Curiel; "María del mar", coautoría con Gonzalo Curiel y Rodolfo Villalvazo; "Jacarandas", "Está sellado", "Soledad", "Verdad", "Se me fue no sé dónde" y "Borrasca", en coautoría con Enrique Fabregat, y "Muchacha bonita", escrita en colaboración con Armando Manzanero, entre muchas más. Es autor del poema "Mitad tú, mitad yo", que ha sido grabado como canción (en coautoría con Antonio Cisneros) y difundido mundialmente.
Una de sus mayores satisfacciones fue haber internacionalizado, a través de su poesía, la música de compositores franceses, italianos, ingleses y norteamericanos, por mencionar algunos. Entre ellos Charles Chaplin y Geoffrey Parsons (Candilejas), Domenico Modugno (Azul, pintado de azul/Volaré), Claudio Mattone y Francesco Migliacci (Mi corazón es un gitano), Carlo Donida y Giulio Rapetti (Al Di La/Más allá), Jenny Lou Carson (Celoso) y Dante Marchetti (Fascinación). Debido a la sencillez que lo caracterizaba, evitaba los homenajes y a la prensa; en alguna de las escasas entrevistas que dio, al preguntarle acerca de los motivos que lo inspiraban al momento de componer, expresó que cuando un autor desea hacer pública la historia que da vida a una canción, lo hace libremente; sin embargo, cuando no revela esa información, no debe ser cuestionado porque son experiencias íntimas destinadas sólo a quienes las vivieron, y el público debe limitarse a disfrutar de la obra sin indagar más allá.
Entre sus distinciones también se encuentran el primer lugar del Festival Yamaha (1982), realizado en Tokio, Japón, por su canción Enséñame a querer, con música de Alberto Ángel El cuervo e interpretada por Yoshio, y el Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas (2017), otorgado por la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) para honrar a los autores ya fallecidos cuya obra ha traspasado las fronteras, trascendiendo en el tiempo y permaneciendo vigente hasta nuestros días para gloria de México en el mundo.
Tomado de:
- Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM). Disponible en http://sacm.org.mx/biografias/biografias-interior.asp?txtSocio=08415
1939
Fallece Fernando Collazo Hernández en La Habana, Cuba. Cantante y compositor que inicia su vida artística en un dúo junto a Enrique García, luego trabaja con el Sexteto Lira de Redención dirigido por Antonio Montalvo, y experiencia seguida decide fundar el Septeto Cuba quien fuera en la historia la segunda agrupación de este formato en incorporar el piano, compartiendo escenarios con los famosos Sexteto Nacional y Habanero. A su incursión en las lides del cine apareció con su sexteto en el primer corto musical de cine sonoro en Cuba, el cual se tituló "Maracas y bongó".
También intervino con la charanga Orquesta Gris de Armando Valdés Torres con quien realizó giras en el viejo continente y el norte de América, y por ende, interpretó por vez primera el danzonete "Rompiendo la rutina", lo que le valió altos niveles de popularidad hasta ser llamado por famosas orquestas como las de Armando Valdespí, la Orquesta Habana de Estanislao Serviá, las orquestas de Belisario López y la gran legión de Antonio María Romeu. Finalmente en sociedad con Antonio Arcaño funda y dirige la Orquesta Siglo XX que a la postre se convirtió en la Orquesta Maravilla del Siglo y después se transformó en la Orquesta de Arcaño y sus Maravillas, con la que se revolucionó el movimiento criollo musical. Nos dejó grandes interpretaciones como los danzonetes "Graciela", "Mi corazón en tus pupilas", "Levántate mujer", "Igual que yo", los boleros "El beso diabólico", "Margarita" y "Cubana" además de dejarnos composiciones como "El príncipe marino", "La campana", "Maledicencia", "A Corina", "Alma loca", "Por fín" y "Mi último canto". Cabe anotar que también defendió a los autores cubanos trabajando en pro de la fundación de una Sociedad General de Autores Cubanos. Tan solo 36 años le bastaron para dejar a la historia una obra maravillosa.
1949
Nace Wilfredo Israel Sardiñas Domínguez "Israel Kantor" en Alturas de Canasí, Cuba. Cantante, bajista, compositor y arreglista que navegó exitosamente por los ritmos de la timba, el songo, la descarga, el bolero y el son. Su carrera musical incluye los colectivos de Meme Solís, Grupo Neoson, Grupo Ireson, Los Yakos, Los Reyes '73, Los Van Van de Cuba, Johnny Pacheco, Hector Lavoe, La Verdad, Ñico Rojas y su orquesta, Orquesta Salsa Latina, Juan Pablo Torres, Jesús "El niño" Pérez y la Tropicana All Stars.
Fue bautizado "Kantor" por El cantante de los cantantes Hector Lavoe, colaboró en muchos proyectos musicales, recorrió el mundo pero sin olvidar jamás a su tierra cubana a la que siempre que tenía oportunidad le plasmaba una inspiración en forma de pieza musical. Temprana partida para este inspirador sonero que se nos marcha el 01 de Julio de 2006, en la ciudad de Miami, USA. Interpretaciones inolvidables entre las que destacamos "El baile del buey cansa'o", "Hoy se cumplen seis semanas", "Que no, que no", "Tu lindo pasado", "Maria Antonia", "Rumberos de Nueva York", "La verdad", "Saca Aserrin, mete madera", "El palo de China" etc.
1951
Nace Rubén Ángel "Cachete" Maldonado en Barrio Obrero, Santurce, Puerto Rico. Consumado exponente de la percusión boricua. Heredero de la vena musical por parte de su padre quien oficiaba como bajista, inició estudios de bajo y piano, pero rápidamente mostró inclinación por los instrumentos de percusión, particularmente por los tambores de la música afrocubana, lo que lo elevó como uno de sus grandes exponentes nacidos en la Isla del encanto junto al gran Julito Collazo. Comienza su andar musical al lado de la orquesta del vigente maestro Johnny "El bravo" López hacia la década de los setenta, y posteriormente se embarca hacia Nueva York para sumarse al furor del fenómeno salsero integrando la Orquesta La Conspiración de Ernie Agosto. Continúa su camino al lado del maestro Larry Harlow, figurando en la histórica producción de la "Ópera Hommy"; trabaja con las orquesta de Eddie Palmieri, Louie Ramírez, el Conjunto Libre de Manny Oquendo, y la Típica 73 antes de enrumbarse hacia las latitudes del jazz latino trabajando junto a Machito, Dizzy Gillespie, el proyecto Mobile Jazz, la banda de Leandro "El gato" Barbieri, estrechando aún más su lazo con los ritmos afrocubanos. Fue miembro del Grupo Folklórico Experimental Nuevayorquino, lo que se constituyó como antecedente de la creación del proyecto Batacumbele, asociado con el pianista Eric Figueroa y el genial bajista Eddie "Gua gua" Rivera.
Con el nacimiento de Batacumbele, se impulsó aún más el nombre de "Cachete" Maldonado como prestigioso director de orquesta, y propulsor de talentos como Giovanny Hidalgo, Papo Vázquez y Jerry Medina, además de consolidar este proyecto como uno de los más notables embajadores en Puerto Rico del sonido moderno cubano que comenzaba a gestarse por medio de agrupaciones como las de Elio Revé, Juan Formell con Los Van Van, e Irakere en Cuba. Paralelamente, "Cachete" desarrolló otros proyectos personales en diferentes facetas, actuó con el grupo de rock mexicano "Los Jaguares", dirigió el proyecto cultural infantil "Taller Cultural Afro-Antillano", y su propio proyecto musical "Los Majaderos", inspirado en los grupos cubanos exponentes del verdadero guaguancó. El popular "Cachete" falleció el 10 de Enero de 2020 a sus 69 años.
1969
Nace Roy Hargrove en Texas, USA. Trompetista, arreglista y compositor de importante papel en el jazz y la música latina. A causa de un paro cardíaco con tan solo 49 años fallece este maestro ganador de varios Premios Grammy y de destacada participación con figuras de la talla de Wynton Marsalis y Herbie Hancock -por mencionar dos, inicialmente. Remontados a sus inicios, iniciaba su formación musical en la escuela secundaria Booket T. Washington Hig School en Dallas, donde encontró en David "Fathead" Newman -saxofonista de la banda de Ray Charles- a su primera influencia musical. Mostró mucha habilidad y destreza en sus ejercicios con la Trompeta, también un potente sonido. Su nombre empezó a sonar como un buen estudiante y en una visita de Wynton Marsalis a la escuela de música, este, le vió tocar.
Marsalis, maravillado con el talento de Hargrove, que contaba con apenas 19 años, le pide continuar y ampliar sus estudios. Esto lo llevó a trasladarse al estado de Massachusetts e ingresar a la prestigiosa Berklee College of Music de Boston donde estuvo por un año antes de tomar rumbo a Nueva York, donde tomó parte en diferentes "Jam Sessions". Profesionalmente, realizó su primera grabación con el grupo del saxofonista Bobby Watson, para después pasar a la banda llamada Superblue. Sin perder mucho tiempo, Roy, armó un grupo y lanzó su carrera como solista en 1990, y ocho años después consiguió su primer premio Grammy. Previamente había firmado un contrato con Verve Records, lo que le dio la oportunidad de trabajar con algunos de los saxofonistas tenores más destacados del momento en "With the Tenors of Our Time", que incluía a Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman y Branford Marsalis. En 1993, por encargo de la Lincoln Center Jazz Orchestra, escribió "The Love Suite: In Mahogany". En 1996, la banda de Hargrove actuó en el Festival de Jazz de La Habana, donde conoció al pianista cubano Chucho Valdés, quedando prendado del gran talento de los artistas cubanos y por ende, de la música latina. Compartió alineación con músicos como El Negro y José Luis Quintana "Changuito", junto con artistas afroamericanos como Gary Bartz, Rusell Malone y Frank Lacy. Con este ensamble llamado Crisol registró un álbum en directo del concierto en Orvieto, Italia, que tituló "Habana" (1997), el cual logró gran éxito y por consiguiente el Grammy. A principios de los años 2000 Roy Hargrove formó el grupo The RH Factor, que combinaba elementos de jazz, funk, hip-hop, soul y gospel
A lo largo de su carrera trabajó con: Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman, Branford Marsalis, Christian McBride, Stephen Scott, Herbie Hancock, Michael Brecker, Roz Nixon, D'Angelo, Macy Gray y muchos otros mas. Falleció el 02 de Noviembre de 2018 a sus 49 años.
1973
Fallece Gene Krupa en Yonkers, Nueva York, USA. Baterista, compositor y director de banda, reconocido por su inmortal solo de batería en el estandar "Sing, sing, sing" de Benny Goodman. Se crió en el lado sur de Chicago, hijo de padres polacos-americanos. El más joven de seis hijos, Krupa y su madre originalmente planearon que se convirtiera en sacerdote. Posteriormente, Krupa se educó en las escuelas St. Bridges e Immaculate Conception, Bowren High School y St. Joseph's College. Cuando era niño, Krupa conoció a muchos músicos exiliados de Nueva Orleans que, después de que Storyville cerró, empacaron sus maletas y se mudaron al norte, a Chicago. Zutty Singleton conoció a Gene en ese momento, cuando sus talentos aún no habían sido explotados. La ciudad de Chicago de 1915 a 1929 fue una importante plaza de música vanguardista. Algunos de los mejores músicos de Estados Unidos salieron de Chicago durante este período de tiempo, entre ellos: Jesse Stacey, Eddie Condon, Pee Wee Russell, Jimmy McPartland, Dave Tough, George Wettling y Benny Goodman.
La primera introducción de Krupa a la música llegó mientras trabajaba de recado en una tienda de música local. Muchas veces se iba solo y escuchaba los discos. Durante un tiempo tocó saxofón, pero fue en un salón de baile donde Gene tuvo su primer encuentro con una batería y fue amor a primera vista. Sintiendo el potencial de Gene, su hermano le regaló su primer set de batería. A los 13 años, Krupa tocó por primera vez con una banda en una sesión improvisada. Este debut le valió trabajar con la banda The Frivolians, y ese verano, tocó con la Orquesta de Ben Pollack. Más adelante en su vida, Gene atribuyó a esas pasantías la mayor influencia en su carrera como baterista. Al tratar de desarrollar las habilidades en la batería o "golpear a las pieles", Krupa formó mucho su oído para desarrollar sus aptitudes musicales. Su perseverancia dio sus frutos, y mientras tocaba en una serie de clubes de aficionados y fiestas privadas, la Orquesta de Joe Karper lo contrató como su baterista, siendo esta su primera experiencia profesional. Un club llamado "Three Deuces" era el paraíso de un músico y la ubicación de las sesiones nocturnas entre Joe Sullivan, Tough, Condon, Bud Freeman y Frank Teschmaker. Una noche, Benny Goodman se acercó al club y vio por primera vez a Krupa, luego a los 19, tocando el grupo. En 1928, Krupa grabó con los músicos de dicho club. Bajo la etiqueta de Red McKenzie y Condon's Chicagoans, se grabó "Nobody's Sweetheart". Con el mismo grupo, bajo el nombre de Chicago Rhythm Kings, grabaron los temas: “There'll Be Some Changes Made,” “Changes,” and “I've Found a New Baby.”
En 1928, Krupa abandonó todos los pensamientos de convertirse en sacerdote y se unió a Red Nichols and The Fifth Cents por tres años. Benny Goodman también se unió a la banda de Nichols para grabar "Chinatown", "On the Alamo", "Dinah" e "Indiana". En ese punto de la historia se reunieron los mejores músicos del entonces: Benny Goodman, clarinete; Glenn Miller, trombón; y Krupa. En este punto de su carrera, Krupa no podía leer música y, durante los ensayos, improvisaba las partes de batería. Glenn Miller, sin embargo, lo enfocó más en este campo. Hacia 1931, se unió a Irving Aaronson and His Commanders, y después de un año, realizó una gira con la banda de Russ Columbo. Benny Goodman organizó la banda para Columbo y pasaron un verano en Woodmansten Inn. Goodman y Krupa finalmente se separaron y no fue hasta 1934, mientras tocaba en el restaurante Music Hall, que Goodman, ahora con su propia banda, decidió reunir a los mejores músicos y hacer una gira por Europa. El personal de la banda incluía a Wilson y Krupa. La gira, sin embargo, nunca sucedió, pero Krupa se convirtió en miembro de la Orquesta Goodman. Desde 1935-1937, la fama de Goodman se intensificó, al igual que la de Krupa. Goodman quería un baterista que pudiera "hacer swing" y sintió que solo Krupa podía cumplir con sus estándares. Aunque Krupa se estableció con la Orquesta de Goodman, fue la fama del trío y cuarteto Benny Goodman que tuvo mucho que ver con el ascenso de Krupa en el mundo de la música. Todo comenzó en una fiesta en la casa de la cantante de jazz Mildred Bailey. Teddy Wilson se sentó al piano para brindar algo de música a los invitados. Goodman siguió el ejemplo de Wilson y sacó su clarinete. Un primo de Bailey había instalado sus tambores en la sala de estar. Krupa se sentó detrás de los tambores y los tres comenzaron a atascarse. La idea del trío de Benny Goodman nació, y varios días después, Goodman acordó una fecha de grabación con Wilson y Gene. El Goodman Quartet, tan popular como el trío, incluía a Lionel Hampton en vibráfono. El trío se encontró con Hampton en el Paradise Nightclub en Los Ángeles, y para su sorpresa, terminó en el quiosco de música con él. Tocaron juntos durante varias horas esa noche y tan impresionante fue Hampton que fue invitado a su círculo, haciendo del famoso trío un cuarteto.
Tiempo después, se materializaba el sueño de un proyecto propio para Krupa. Ante un gran público apareció como solista con gran éxito, y en el apogeo de su tremenda popularidad, la banda contó con el trompetista Roy Eldridge y la vocalista principal Anita O'Day. Krupa estuvo atento a Eldridge durante mucho tiempo y, cuando Eldridge finalmente accedió a unirse a la banda, Krupa celebró con júbilo esta incorporación. Algunas de las grabaciones más exitosas de Krupa se hicieron durante este período, como "Georgia On My Mind", "Green Eyes", “Thanks For the Boogie Ride” y “Let Me Off Uptown.” Krupa se vio obligado a disolver su banda en 1942, como resultado de su arresto por posesión de estupefacientes. Aunque los cargos finalmente se retiraron, Krupa cumplió 84 días en la cárcel. Tras su liberación, se reincorporó a la orquesta de Goodman durante varias semanas. La experiencia fue personalmente trágica y, sin embargo, no pareció afectar su carrera de ninguna manera. El público aún amaba a Krupa y en 1944, recuperó su título como el baterista más destacado de los Estados Unidos. En ese mismo año, realizó una gira con la orquesta de Tommy Dorsey durante 6 meses, ganando la confianza para formar otra banda, una banda grande como la de
Dorsey con una sección de cuerdas completa. La nueva banda no era lo que los fans de Krupa esperaban. Acostumbrado a la calidad de "swinging" que hizo a las audiencias amar al "Rey de los Hidebeaters", se les ofreció un nuevo Gene. Krupa se colocó en el papel de líder de banda, rara vez tocando la batería. Cuando tocaba, las actuaciones de Krupa estaban llenas de destello, acumulando tanta destreza técnica en su juego como para convertirse en una desventaja. La nueva banda fue incluso menos exitosa para la crítica musical. Finalmente, Krupa volvió a la música de swing que lo hizo famoso: la grabación de “Leave Us Leap” y “What's This?” En 1951, Krupa se afilió al grupo Jazz At The Philharmonic durante tres años y lideró varios tríos y cuartetos. , el primer cuarteto con Charlie Ventura y Eddie Shu. Otra aventura exitosa de Krupa fue la escuela de batería que él y el baterista Cozy Cole abrieron en 1954. En dos años, la escuela tenía un promedio de 135 a 150 estudiantes por semana.
Aunque los años restantes de su vida fueron menos activos debido a un ataque cardíaco producido en 1960, Krupa intentó mantener un horario de trabajo estable. Estaba limitado a jugar unos 6 meses al año, principalmente en el Metropole en Nueva York. Krupa decidió en 1967 retirarse, aunque apareciendo esporádicamente con Benny Goodman. Lionel Hampton y Teddy Wilson varias veces. Su actuación más memorable fue la noche de apertura en el Festival de Jazz de Newport de 1973 en el Carnegie Hall. El Festival de Newport '73 fue una de las últimas apariciones públicas de Krupa, ya que la tensión de la leucemia lo debilitó aún más. El 16 de octubre de 1973, Gene Krupa falleció en su casa en Yonkers, Nueva York. Varios meses después, los amigos y colegas de Krupa, entre ellos Teddy Wilson, Buddy Rich, Louie Bellson, Anita O'Day, Cozy Cole, Roy Eldridge y muchos otros celebraron un concierto en el Felt Forum de Nueva York en honor al 65 cumpleaños de Krupa. El "Concierto para batería" de Lionel Hampton se realizó para la ocasión, un tributo memorable y apropiado para un hombre cuyo espíritu vive a través de la inspiración que transmitió a todos los bateristas.
Fuentes:
-Enciclopedia del jazz - Leonard Feather, Horizon Press, 1955.
-Las grandes bandas - George Simon, Macmillan Company, 1967.
-The New York Times - John S. Wilson, 17 de octubre de 1973.
-Gene Krupa - Arnold Shaw, Pin-Up-Press Company, 1945.
1990
Fallece Jorge Bolet Tremoleda en California, USA. Pianista cubano, considerado como uno de los mejores intérpretes de los compositores románticos, especialmente considerado como el mejor ejecutor de las obras de Franz Liszt. Inició sus estudios de música con su hermana María Josefa Bolet, después los continuó con Atilio M. de Vitalis, y los concluyó en el Conservatorio Nacional con Hubert de Blanck. A los 12 años su familia lo envía al Curtis Institute de Filadelfia, donde estudió música con David Saperton, (piano); Fritz Reiner, (dirección de orquesta); Leopold Godowsky, Moriz Rosenthal y Josef Hofmann. Estos grandes pianistas, exponentes de la escuela romántica, ejercieron gran influencia en Bolet, quien más tarde transmitiría su estilo a sus alumnos.
En 1934 se graduó en el Stony Brook de Nueva York. En 1935 viajó a Europa, donde actuó en Amsterdam, y dos años después ganó el premio Naumberg, y ese mismo año debutó el 26 de Octubre en Nueva York. Entre 1939 y 1942, fue profesor (como ayudante de Rudolf Serkin) del Curtis Musical Institute de Filadelfia; de 1968 a 1977, de la Escuela de Música de la Universidad de Indiana en Bloomington ; en 1977, ocupó la jefatura de la cátedra de piano del Curtis Musical Institute. Bolet actuó por última vez en abril de 1989 en el Carnegie Hall de Nueva York y dos meses más tarde con la Filarmónica de Berlín. Ejecutó la parte del piano en el filme biográfico sobre Franz Liszt: "Song without end". La crítica lo considera como uno de los grandes pianistas del siglo XX. Fallece en su residencia de Mountain View, California, Estados Unidos a los 75 años, a causa de un paro cardíaco. Bolet, cuyo repertorio en su mayor parte fue grabado por la casa londinense Decca, es uno de los pocos artistas que grabó los arreglos de los estudios de Chopin. A pesar de haber sido un niño prodigio, Bolet sólo fue reconocido internacionalmente después de haber cumplido los 60 años.
Fuentes:
- Díaz Ayala, Cristóbal. Cuando salí de La Habana 1898- 1997: cien años de música cubana por el mundo. Puerto Rico, Fundación Musicalia, 1998.
- «El concierto de Jorge Bolet». Pro-Arte Musical (La Habana) (9): 9; 15 de septiembre de 1929.
- Elena Pérez Sanjurjo. Historia de la música cubana. Miami. La Moderna Poesía, INC, 1986.
1995
Fallece Virgilio Martí en Nueva York, USA. Cantautor y percusionista habanero. Otro estandarte de la rumba cubana quien se daba a conocer en el panorama de la música a finales de la década de los cuarenta como hombre de guaguancó. Fue por esta época donde comenzó a extender su figura a nivel internacional, teniendo como fortín la ciudad de Nueva York donde no fue ajeno a la escena local. En México se le vió muy cerca de figuras como Yolanda Montes "La Tongolele" y el conguero Mongo Santamaría. Recordamos su aparición en la producción "Patato y Totico" (1968) junto al afamado percusionista, además de Eugenio Arango "Totico", Israel López (Cachao), Arsenio Rodríguez, Héctor Cadavieco, Francisco Valdés, Papaíto, Tony Mayari y Mario Cadavieco. También apareció junto a su hermano Eloy acompañado de la agrupación de Gene Golden, y en el Grupo Folklórico Experimental Nuevayorquino en 1975 como vocalista, percusionista y compositor aportando la pieza "Cuba linda".
Otro trabajo de Martí de gran recordación lo fue "Saludando a los rumberos" publicado por la firma Caimán a inicios de los años 80 y en el cual el cubano fungió como vocalista y responsable o estrella principal en el mismo. En él, Martí se involucra con talentos como: Tony Cofresí, Andy y Jerry González, Yomo Toro, Paquito Pastor, Ray Romero, Claudio Roditti e Ignacio Berroa, entre otros. Cabe destacar, la actuación en 1985 de Virgilio Martí en la película -del cineasta cubano León Ichaso- titulada Crossover dreams (Sueños truncados). En la misma el habanero encarna el papel de “Cheo Babalú” y vocaliza el popular tema "Llora timbero". En esa producción cinematográfica realizada en ciudad de Nueva York, participó también como actor Rubén Blades, quien personificó a Rudy Veloz. Cinco años después hizo su aportación a la banda sonora de la cinta "Azúcar amarga" de León Ichaso. En su faceta compositiva, además de la ya señalada "Cuba linda", le recordamos con otras piezas como "Iyá modupue", "Alma mía", "El guaguancó", "Malos tiempos", y la adaptación a guaguancó del vals peruano "Todos vuelven", de César Miró.
Fuente:
- http://gonikus.blogspot.com/2008/11/virgilio-marti.html. Carlos Malagón (Cali, Colombia)
1995
Fallece Gustavo Mas Romeu en Miami, USA. Saxofonista natural de Holguín, Cuba, En la población de Nuevitas, Tito Zayas le enseñó las posiciones en el saxofón. Comienza su carrera artística en Camagüey; allí conoció al maestro Gilberto Valdés Boitel, quien realizaba una gira con la Orquesta Daiquirí, y este lo introdujo en la vida musical de La Habana. De 1936 a 1938 trabajó con la orquesta de los Hermanos LeBartard y posteriormente fue transpasado a la Orquesta Casino de la Playa, con la que estuvo hasta 1940. En 1939 viajó a Nueva York, y a su regreso a Cuba integró otras agrupaciones, entre ellas la Orquesta Hermanos Castro, y la Orquesta Bellamar, dirigida por Armando Romeu, que tenía su base en el cabaret Sans-Souci.
En 1941 viajó a Panamá y allí se mantuvo, hasta 1943, con la Orquesta del maestro Armando Boza, que incluía en su repertorio el Jazz, y en la que también tocaba el famoso José "Chombo" Silva. Más tarde, Gustavo Mas se traslada a México, donde fue saxofonista de la Orquesta de Mario Ruiz Armengol hasta fines de 1944. De regreso a La Habana se integró a la Orquesta del Cabaret Tropicana dirigida por Armando Romeu, hasta 1947, cuando tomó vuelo a Europa con la agrupación de Armando Oréfiche, junto a Arturo "Chico" O’Farrill y Rafael "Tata" Palau. En esta gira conoció Suecia, Noruega, Dinamarca y Francia. Retornó nuevamente a Cuba en 1948, para desde aquí partir a Nueva York, donde grabó con las orquestas de René Touzet, Pupi Campo, Tito Puente, Woody Herman y Miguelito Valdés. En Puerto Rico grabó con la de Noro Morales. Hacia 1955 se instaló en Miami, y allí tocó en varias orquestas, entre ellas la Diplomatic Orchestra, del trombonista y arreglista Roll Norman, y la orquesta de Wury Herbert en 1961. También fue instrumentista de la Orquesta de Isidro Pérez con Pucho Escalante, Chico O’Farrill, Mario Romeo y Chombo Silva, con los que actuó en el cabaret Montmartre. Según Leonardo Acosta y Armando Romeu, Mas ha sido el mejor saxofonista de jazz que ha dado Cuba.
Fuentes:
- Leonardo Acosta. Elige tú, que canto yo. La Habana, Editorial Letras Cubanas, 1993.
- Luc Delannoy. ¡Caliente!. Una historia del jazz latino! México, Fondo de Cultura Económica, 2001.
SEGUIMOS BATALLANDO EL SON.
UN DÍA COMO HOY
ESCRITO: JHONNY VELÁSQUEZ REYES
EDICIÓN: ANGELINA MEDINA QUIROGA
ORIGINAL DE HERENCIA RUMBERA RADIO
LIMA - PERÚ
OCTUBRE 2020